Coｌｌaboration Work on Michizane「菅原道真についてのコラボレション」

photo of 'Michiza exhibition'from viewing from the front entrance of the gallery
「真菅原道真についての展示」ギャラリーの入り口の方からの写真

今年の二月、ブラックフィシュギャラリーで以前このブローグで紹介した画家・彫刻家のスティブ・ティルドン氏が詩人、ポール・ムーチャントと作曲家、トマス・スボーダと共同コラボレェション作品を展示・
パフォームした。テーマは日本人ならなじみの平安時代に活躍した学者・政治家の菅原道真で彼が九州に’島流された時の状態と気持ちだ。これを詩、音楽と彫刻・絵共同で表したのが今回の作品。

ムーチャント氏はよくアジアを詩のテーマとして選ぶ興味深い詩人で前にもティルドン氏と絵・彫刻・詩の共同作品を制作している。スボーダ氏はこの地方ではおそらく最も知れている近代クラシック音楽の作曲家で彼が作曲した多くの音楽が良くパフォームされている。音楽や詩は私の専門外なのでここでは主にティルドン氏の作品について述べる。

スボーダ氏の音楽　「Migrating Message, Concerto for Xylophone and Tape」 やティルドン氏の彫刻・絵はムーチャント氏の詩「Notes for Time」に合わして完成されたよう。この詩は三つのパーツに分けられている：

1.Flight into Exile　（追放され都を脱出）

2.Cadenza　（カデンツァ）
3.The Old Fisherman　（年寄りの漁師）

スティブも三つのスタイルでこのコラボレション作品を完成している：

都を追放され、九州に追い出されている場面をスティブは何枚かの板のパネルでできた大きな表面に描いた絵で表現した。彼の絵は独特でシャラックをアクリルに混ぜた、彼の独特なペイントで描いている。私もスティブが最初絵を描きだした時彼のアトリエを訪れた。当時彼は丘や山の低いポイントと高いポイントをスボーダ氏の音楽のリズムと合わして書いた。音楽のリズムと絵の背景のリズムをこうして合わし、ハモニにするためだろう　（下）。大きく、横長い作品なのに、ほとんど、雲と山と草原で構成されている。目に入るのはパネルの左に描かれた馬に乗っている道真とそれとコントラストされているように見える、右側の月だけである。村や人々などがこの絵に描かれていたらもっと面白い絵になると思うが、でもこの殺風景、結構効果で詩に表している道真の気持ちをつかんでいる。絵の殺風景が追われた道真の身の寂しさ、無念さをつよく感じさせている。それと右に進むごとに闇が現れるのがこの暗い気持ちをさらに強める。ただ馬がちょと止まり、花を食べている場面が暗い、右へ進む動きをやや、止め、少し、暖かい気持ちにさせる。又、馬に乗っておそらく、考えている道真の気持ちと同時、私も考える気持ちにもさせる。

昔、最初日本に来た時、何故か一ヶ月ほど少し、詩吟を私は学んだ。学んだというより味わった。そして、最初、宿題として覚えて、歌わなければいけないのが、この道真の「去年の今夜、清涼に持す」と言う詩だった。テイルドン氏のこの絵の場面なんとなく、私がこの詩吟の詩に感じた道真氏の気持ちを上手く表したと思う。（下に続く）

In February of this year, sculptor/painter, Steve Tilden had a unique collaboration exhibition with poet, Paul Merchant and composer, Tomas Svoboda on a theme of ancient Japanese poet/ politician, Sugawara no Michizane ( left). Since I am neither an authority on poetry and music I will comment mostly on the visual part of this collaboration.

Michizane was born in 845 and died in 903, a period when emperor and nobility controlled the Japanese government. He was a superbly
learned man who is now deified as sort of patron of scholars and students. Many students in Japan pay homage to his shrines prior to taking entrance exams for blessings.

Michizane also was one of the top minister in the Heian period Japanese government but was caught in a power struggle and unfairly sent into exile on the island of Kyushu. This collaboration artwork appears to express the state of Michizane at this period of his life. It is a state full of grief, wrath, longing and contemplation; and poetry, music and artwork by these three artists fully express this. At least that was the feeling I have received after listening to their presentation of the work a night before the opening of the exhibition.

(Right after I went to Japan, twenty years ago, I took an introduction to ancient poetry reading/singing. And the fist poem I had to learn to 'sing' was the famous one by same Michizane that goes " On this night, year ago...' The poem as I recall was full of sentiment and mood that I found in these collaboration works.)

The presentation included Svoboda's contemporary music composition, "Migrating Message, Concerto for xylophone and Tape,op.195" and Merchant's poetry reading. Paul Merchant divided his "Notes for Time"poetry into three parts:

1. Flight into Exile
2. Cadenza
3. The Old Fisherman

Svoboda appeared to have divided his work in a similar fashion. Steve, on the other hand divided his work by different way of interpretation. He expressed "Flight into Exile" part through a representative painting (see below). But Steve sort of used semi-abstract, symbolic images of welded pieces on paper collage background to illustrate some lines from "Cadenza' and "The Old Fisherman" parts of Merchant's poem. And he , lastly interpreted the musical composition of Tomas Svoboda through various abstract squares that hung from the ceiling and placed on various places of the wall. So we have here in Steve's exhbition a display of three different ways of visually capturing music and poetry. Whether this way of mixing three ways of interpretation was successful or not, I do not know, but it sure was interesting, and must have been challenging for the artist.


With Flight into Exile part of the poem, Steve decided to paint a huge painting of the scene of Michizane riding horse to exile in sunset with darkness slowly engulfing the sky (below). I was at Steve's studio when he began to paint over several wooden panels that composed the painting. He paints with acrylic paint that is mixed with shellac in a distinct fashion peculiar to him that seems to me to bring out certain surface texture and brightness. Steve also picked peak and low points of hills and mountains according to the rhythm of Svoboda's composition. Apparently, Steve hoped this would harmonize the rhythm of pictorial composition with rhythm of musical composition.

Though the painting's very sparse, with only point of interest in the entire painting being Michizane and horse, and perhaps whitish moon that provides a lovely counterpoint to the horse,
in terms of mood this vast sparseness makes the work very effective. I m overwhelmed with feeling of downtrodden loneliness, and with the enclosing darkness as picture move towards right, a sense of foreboding gloominess . However, the scene of horse eating flowers not only slows down the movement but also seems to brings out a warm feeling that makes me empathize with Michizane's plight ( see the detail below). As Michizane seem to contemplate as the horse eats, I too ponder.

At Steve's studio. Early stage of the painting

スティブのアトリエで。絵のはじめ

Ｉｌustration of the part of poem "Journeying into exile I traveled a sunken road drowned in mist my horse stopping to eat flowers"

「追放され、霧で包まれた、沈んだ道路を旅の途中、私の馬が止まり、花を食べだした。。」詩の場面を描いているティルドン氏の絵　（下手な訳ごめん）

Detail of horse eating flower
馬が花を食べている場面

As stated earlier, Steve I believe tried to capture the poetry lines of Paul Merchant's using the symbolic welded sculptural forms on collage papered board. He presented six pieces of this kind of work, and these for me are visually stimulating as hard, solid, and dark forms of steel go very well with contrasting light, warm transparency of wrapping paper collage. Pencil writings on works add another dimension. The welded forms are not pure abstract, they are bit symbolic and is probably closer to early form of 'Kanji' or the Chinese characters where you can detect the forms from where the characters were derived. For example, you can see the boat like form and shape that seem to express tears in the piece "And now I hear..."

次にムーチャント氏の二番、三番の部分、「カデンツァ」と「年寄りの漁師」の詩の部分を選んで、スティブは溶接で造られた彫刻の形と紙のこラージで完成された小さいパネルの作品いくつかで表している。これらは大昔の感じや古代エジプトの文字のように、実際の形をやや省略かやや抽象的にあらわして、詩の文字を鉄の形として表した。 下の写真で見れる、作品

"And now I hear the old man has given up fishing
his little boat, he says is filling up with tears

では「年寄りの漁師が釣りを辞め、彼の船が涙でいっぱい」の事が詩に書かれていてこれをティルドン’氏が彫刻の作品に船や涙を思い浮かばすような形などで彼なりにビジュアルに詩を訳している。やや透明で明るい紙のバックに硬い、黒い、溶接でつくられた流れるような鉄の形、けっこういい感じだ。

Group of steel and paper collage panel pieces in the exhibition.

鉄と紙のコーラージ作品ー六点

" And now I hear the old man has given up fishing
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　his little boat, he says is filling up with tears"

From 3: the Old Fisherman in ' Notes for Time" by Paul Merchant, 2009
Steel and collage on panel, 22"x36" Steve Tilden

「私は今、年寄りのおじさんが釣りを辞めたと聞き、
彼の小船は涙でいっぱいだと彼は言っている」

ポール・ムーチャント氏の詩「Notes for Time（時のノート）の三番から；年寄りの漁師」、２００９年、鉄とコーラージーのパネル　２２インチｘ３６インチ

Lastly, Steve attempts to capture part of Svoboda's musical composition by having randomly placed reddish painted steel squares combined with larger darker squares that rhythmicaly hung from the ceiling. Though seeing large sheets of metal hung from the ceiling is exciting, this was for me the least successful of the works simply because visually there just wasn't enough interesting forms in the piece and likewise, the overall composition of the piece did not generate excitement. However when seeing the whole exhibition, with representative painting and symbolic shapes of wall pieces, the simplicity of square forms and abstract composition works well, giving rest to the eye while adding a variety to the whole exhibition.

最後にスティブはスボーダ氏の音楽を壁に飾った、赤く塗った四角の形の鉄と天井からつらさげられた違うおおきさの四角の形をした鉄板で構成された作品で描いた。これはモダンなスボーダ氏の音が聞こえるような気もしたが、ビジュアル的に私にはちょっとものたりなかった。もっと色んな形があってもよさそうだし、それに構成てきにももっと鉄板が並だけでなく色んなふうにアレンジされてもよかったんじゃないかと思った。

全体として上手く完成されたコラボレション作品とはいえないが、音楽や詩を三つの方法でビジュアルに訳された作品として非常に興味ぶかい展示であった。

Square steel hanging forms and wall pieces

鉄の抽象作品

Thoughts and Ideas Behind Everyday Scene Works: Archangel Raphael 「生命の木の枝と葉っぱの毎日の場面」についての考えー大天使ラファエル

"Empathy not Books Cure Myopia"Set of three pieces　

「近視の治療は本を読むことではなく人の気持ちになることだ」ー彫刻、説明書、イラストの三点セット

インクイラスト：生命の木の葉っぱの上金魚蜂の家に住んでいるゴールドウィン君に大天使ガブリエルが彼は近視病にかかっていると教える。その時もう一人の大天使、ラファエルが現れる。

Sculpture part

Description of scene in the sculpture piece above

上の彫刻の出来事を説明している

In my recent works archangel Raphael has appeared couple times.　 As noted in my artist statement posted on my last exhibition, these works are not intended as a religious work.　 Angels and other biblical figures, various myth figures were used because of their strong archetypal imagery that I felt made my stories more effective and easier to understand.　 My apology to anyone who maybe offended in my usage of these figures.

With these works, ink drawings on paper and smaller, descriptions of 'everyday scenes' of sculptures also in ink on paper and sculptures together make up a single piece of work. 　Each sculpture is my comment on politic, culture, economy and religion.　 I used odd characters such as worms, goldfish, miniature dinosaurs in hypothetical tree of life setting with biblical figures and mythical figures to create rather, whimsical and maybe bizzare stories.　Using odd characters like worms I felt help to lighten some of my comments.


In piece" Empathy, Not Books Heal Myopia" shown above the illustration part shows Archangel Gabriel visiting Goldwyn the popeye goldfish and informing him that despite all his learning, he is suffering from myopia just as Archangel Rapahel, the healing angel drops by. The sculpture piece depicts Raphael, with his curing power, temporary curing Goldwyn of myopia, a diseas of narrow mindedness. Here archangel tells Goldwyn, he needs to empathetic, that is be in a position of others in order to fully recover from this illness of narrow mind. But for a comfort, he reminds that Goldwyn is not the only one with myopia, to a certain degree, all of us has it.

With this piece, after I made a leaf and branch part of the work, looking at the shape of base composition, I thought of a winged figure, a flying reptile would be fine. However, a popeye goldfish piece that didn't work out in other work looked great on the left side of this piece, and before I knew it I had an angel instead of something from JurassicＰａｒｋ. 　And the goldfish became a vehicle for my thoughts and opinions.

After I returned to US in 08', I read and watched news on tv and papers considerably as it was a great period of turmoil in politics and economy all around the world. Watching, I was amazed to hear what I felt was narrow minded views of supposedly intelligent, well educated people all over the world. Most of us including myself are narrow minded, self-centered and self-righteous, but to a degree. When I hear of women in a country in Asia getting beaten up or killed for adultery by their relatives, or kids getting executed in some Middle Eastern countries, I wonder where empathy, feeling for others' has left us. Things are no better here in US as well as it seems despite their strong beliefs in words in Bible, some leaders from bible belt are so much into war and making money and not into helping out those in need as their christian teaching asks of them. These and many more were fodder for works in this exhibition.


With second piece, Archangel Raphael Healing the Wounded Earth", below, in the illustration all the living things except ignorant mankind are requesting the Tree of Life for help, and Archangel Raphael comes forth to heal the Earth. Archangel warns though that although Earth will be cure, longer its unattended, the greater the illness and therefore greater the force needed for cure and greater the AFTER EFFECT.

This piece was the last piece that I begin to work among the work in the last exhibition. As I begin to realize some of my works were little bit negative or bit cynical, I wanted to end the series with positive note, so I came up with Archangel Raphael rescuing the earth. However, I could not help, but add some warning.

Here too, I was irritated reading paper that so many people in US were still skeptical of 'global warming' , and refuse to accept the notion of damage that mankind is doing to earth. Though I believe nature and earth will keep on existing, certain adjustment will be made to accommodate what mankind has done and is doing. This accommodation is both the Cure and Aftereffect that I am worry about and I cry out in this work of hope and warning.

The illustration is sort of prologue to the sculpture piece. Here archangel Raphael, the healing angel is approaching the part of Tree of Life call Earth. He comes because all the living things other than ignorant mankind are asking for his help as Earth is being wounded.

おろかな人間は別として痛んだ地球のあらゆる生物が助けをもとめているため、大天使ラファエルが地球を救いにくる場面。

"Archangel Raphael Healing the Wounded Earth" sculpture part
「大天使ラファエルが痛んだ地球を治療している」

Description of sculpture piece

　彫刻の場面の説明書。ここでは大天使ラファエルが痛んだ地球を回復しているところだが、治療しながら「地球を痛め、ほっていた時間の分、傷は深く、治療後の影響もひどくなると」忠告もしている。


Detail of sculpture piece.

私の最後の個展では大天使ラファエルが二回ほど登場した。個展の時に展示した私のコメントに書いてあるように、これらは宗教美術として制作したものではない。　天使やモーゼのような聖書にでる者やギリシャ神話などにでる英雄たちはなどは多くの人が知っている元形イメージでこれらを使えば私の話・意見が理解しやすいと思ってつかいました。これらのイメージを使ってあまりいい気持ちでいない人たちには失礼しました。

これらの作品では彫刻の作品の他に絵つき彫刻の場面の説明文書とインクのイラストが一緒に展示され、これら全部で一つの作品と完成されてある。　彫刻は文化・政治・宗教・などについての私の意見を述べている。イラストは彫刻の場面の続きか前文のようなものである。　イラストや説明文書は綺麗に描くより、あらあらしく、漫画のように描いたほうが味があり、身近に感じると重いこのように描いた。いちど時間をかけて描いたが堅苦しくなり、彫刻や内容とあわないように感じた。あと出目金のゴルドウィン君など漫画かゲームにでるようなキャラを造り、面白みを加え、私の意見からトゲをとりやわらかくしようとした。

「近視の治療は本を読むことではなく、人の気持ちになることだ」の彫刻の場面では治療の大天使、ラファエルが近視病にかかっている出目金のゴルドウィン君を治療しながら、彼にこの病気を完全に治すには彼が人の気持ちになるひつようがあるとアドバイスしているところ。

２００８年、アメリカへ帰国後、政治的や経済的に世界が大きく揺れていた時期だったから私はニュースを新聞やテレビで熱心に見ていた。でもインテリで世間を良く知っているはずの人たちの狭い見方にびっくり。このポスト、結構長いから例題などいわないが、これらについての怒りが今回の作品集のテーマとなった。

「大天使ラファエルが痛んだ地球を治療している」の作品も温暖化や人間が自然をだめにしていないという人々（けっこうアメリカにいる）にたいしての忠告である。でもこの作品希望も与えたつもり。

英語の説明で結構このポスト、長くなったから日本語版はかなり省略して終わります。

On the Light Side: Greeting Cards from Mai Mai 「ちょっとユーモアな面ーマイマイからのカード」

2006 Greeting Card

"Scribble drawing on paper".
Mai Mai likes to scribble her characters all over the place, especially on cardboard storage boxes and on scratch papers that use to be abundant in my sculpture room at Dohto. And this is one of them which I found lying in the room and brought as a souvenir all the way from Japan.

「カードの大きさの紙に落書き」　マイマイ落書きが好きでダンボールなど色んな彫刻ゼミ室にあるものに落書きした。この落書きも物ずきな私が見つけ日本からわざわざもってきた。

This is a photo of student Chibashin working on two thesis projects in clay, but two Casper-like guardian figures on the wall are Mai Mai's sculptures.

千葉君が卒業制作している写真だが後ろの壁に置いてある二つのゼミ室の守護零のような白い彫刻はマイマイの作品。

One of the things I look forward to at New Year or in the middle of summer is a greeting card from Mai Sugimoto, one of my former students at Dohto University. Her serious art works are fabrics dyed with natural coloring materials with patterns that are original, but resting and at home with the medium . However, Mai Mai as we call her has another side, where she freely makes light artwork that applies her distinct characters that to me seem like Simpsons gone Casper of the friendly ghost fame. Mai Mai use to make sculptures of these comical figures in my class, but now she sends me original greeting cards with these characters that brightens my living space. Here I'll share few.

2007 Greeting Card

お正月やお盆のころに私が楽しみにしている一つは昔の学生たちからのカードで、とくに杉本麻衣は面白い手作りカードを毎年送ってくれる。マイマイと親しい人たちから呼ばれている彼女はメインとして自然の材料で染めたファブリックを制作している。でももう一つ面白い面ももっており、独特な漫画にでるようなキャラクターが登場する作品も造っている。私の道都大学の彫刻ゼミに一時所属していた時もこのようなアメリカの漫画のシンプソンらがキャスパー化されたような作品を造っていた。卒業後、これらは年賀として私のところに送ってきて、部屋をにぎわってくれている。

This year's greeting card. A little different in style than previous ones. Is this major change in style or anomaly?

今年（２０１０）の年賀で以前よりも少し違う感じだ。家庭的なところがちょっとサザエさん化しているように感じる。キャラクタのスタイル変えたのかな？

"New Home for Pete" 「ピートの新しい家」

"Pete" with other works by Paul Missal
ピートと他のミサール氏の作品

"Pete" 96"x144" acrylic on canvas
「ピート」　アクリル　やく２．５ｘ３．５メートル

Paul Missal, who is a realistic painter is currently exhibiting his paintings at Blackfish Gallery along with his friends, Nancy Lindburg and William Owen. Among the painting that Paul has exhibited is a huge depiction of horse "Pete". This painting was originally exhibited in Paul's solo exhibition at the original Blackfish gallery space in I believe 1980, thirty years ago. If my memory serves right, this 1980 exhibition was the most popular exhibition of all the early shows at Blackfish in the years I was there: 1979-83. And "Pete" was the center piece. The exhibition had a large write up in Oregonian and consequently drew all kinds of people- perhaps including animal lovers that usually don't come to see a contemporary art. From photos of work in progress which Paul displayed and was also printed in Oregonian article, with this painting, he first painted skeletal structure of Pete, and then covered it with muscles and ligaments before, he completed with skins and hairs. Because of size and beauty of the painting, the work is much more impressive viewing actual than the image shown above. The background of rich, thick coating of Titanium white appears to brings out the subtle brown coloring of the horse and adds to the warmth and nobility of the piece.

For me, the most attractive element in Paul's paintings is a warm, luminous light that is reflected in many of his works. For me this light expresses, warmth, peace, hope and kindness- all things positive. The warm light, I believe, reflects Paul the person as well as he is a very generous man. Paul has offered lots of assistance and advices to me over the years, and judging from what I have heard, to many others as well.

The other major painting in the show " Woman" also displays this warm light.

I am happy to say that " Pete" after thirty years at Paul's studio found a new home, as the painting was bought by Portland Art Museum. So next time when I see "Pete" it will be at the museum, a fitting home for "Pete".

Other end of the exhibition showing the scale of "Pete" and "Woman" pieces
他の作品と比べて「ピ－ト」と「ウーマン」の作品の大きさがわかる

"Woman" about 61/2'x 8' (guess)
「ウーマン」　やく２ｘ２．５メートル

今ブラックフィシューギャラリーで写実的な作品を描くポールミソール氏と彼の友人、ナンシー・リンドバーグとウィリアム・オウェン氏である。ポールが展示した作品の中で馬の「ピート」の絵がある。この作品は三十年前、ブラックフィシューギャラリーが開いたばかりのころポールが彼の個展で展示したものである。私の記憶が確かであればこのポールの個展はすごく人気があり、初期のころのブラックフィシューのショーの中ではもっともお客が鑑賞した展示だった。その中でも『ピート」は中心作であった。ポートランドの新聞、「オレゴニアン」に一ページ「ピート」とポールの展覧会についての記事が書かれ、多くの普段現代美術を鑑賞しそうもないようなお客が来た。ポールが「ピート」の制作中の写真などが新聞にも展覧会でも紹介され、これによるとポールはピートの骨組みを描いた。そしてそのあと筋肉などを描いて、さいごにその上に皮膚や毛などを描いてようだ。残念ながら、この作品は大きさと絵の気品な美しさが感じなのだが、写真ではとても実物を見るように感じない。何回も重ねてリッチなタイタニアムの白色が馬の様々な茶色を引き立って、上品な作品にしあげている。


ポールの作品の中で私がもっとも好むのは彼の作品によく見られる、暖かい光で、平和、ホープ、優しさと暖かさを感じさせる。ポールの性格を現すようだ。彼は昔からとても親切で良く私に色々と教えて
くれる。噂話を聞くと私だけでなく多くの人々に対しても同じよう。その暖かい性格が作品にもあらわれているようだ。この展覧会のもう一つの目玉作品、「ウーマン」もこの暖かい光で包まれている。

最初展示されて三十年、「ピート」も新しい家に引越しするらしい。ポートランド美術館がこの作品を買ったらしい。こんど私が「ピート」とであうときは美術館らしい。「ピート」にふさわしい家だ。

New Project: Face Fruits and Leaves and Branches of the Tree of Life Project 「新しいプロジェクト：フェースフルーツと生命の木の枝と葉っぱ」

(click for large view of photos)
Taking photos of "Face Fruits and the Giant Leaf of the Tree of Life" piece near the soccer field of Dohto University on a bright, sunny,autumn day, 2006.　Photo by Ikkun　
まぶしく暖かい秋の日道都大学のサッカー場の近くで作品、　「フエースフルーツと生命の木の巨大な葉っぱ」を撮影しているところ　（２００６年）。

Outdoor installation, "Face Fruits and the Giant Leaf of the Tree of Life"

About 8'x9'

For the next exhibition, I am thinking of presenting a new version of face fruits. It seems every three and half years, I get a desire to make a whole set of face fruit sculptures. Face fruits are one of several sub series themes within my Tree of Life work, but a major one as they are the main product of the Tree. They represent each individual human being, and their ripening symbolizes a human growth. This time I am thinking of combining these face fruits with branches of gingko wood so as to make them look as they are hanging from the branches. As I keep changing in the process, I am not sure how the final product will look, but anyway this is the direction I am thinking and have begin to realize.

In past works, face fruits were made of clay, but this time I am attempting to make them with fiber and glue mixed material that I have used to make recent 'Scene series' pieces. Because of the difference in material quality, and also difference in armature the finish product will probably differ.

For armature instead of rounded styrofoam that was reinforced with cloth, this time as you can see from photos below, I am using various size wires and fencing material. Afterward these were filled with figlue (fiber/glue material0. which I just pen-named for simplicity sake.

Pile of gingko wood with some thread pattern areas. I have originally thought of showing these branches for my last exhibition, but I have saved them for the coming one where I hope to combine these with face fruits.

「ところどころ布のパターンがついているイチョの枝 のかたまり。　この前の個展にこれをそのまま展示するつもりでいたがよし、今回の作品などにつかう予定でいる」

Using #18,20 and 24 wires to make armature of face fruits.

　１８，２０、２４番の針金をと使って、フーエスフルーツ作品の土台を作る。

Several completed face fruit armatures ready for next procedure.

完成したいくつかのフエースフルーツの辛抱が並んでつぎの段階を待っている。

After cotton fiber shreds are taken from box, they are mixed with wood glue. The mixture, 'figlue' then fills the wire armature of face fruits.

ちぎられた綿のファイバがいっぱい入っている箱からにぎられ、ボンドと混ざった後、針金でできたフエースフルーツの辛抱・土台の中に入れられている。

A pile of filled face fruit armatures are being dried and waiting for next step.

ファイグルーいっぱいのフエースフルーツ辛抱らは乾かせながら次の段階をまっている

１２月に開く二人展に向けて制作始めだした　今回は新しいタイプのフエースフルーツと昨年集めたイチョウの木の枝を合わせた作品を造る予定。なずけて「フエースフルーツと生命の木の枝と葉っぱ」、無事に完成すれば、又私の想像している生命の木のイメージが一歩形になっていくだろう。

やく四年ごとにフエースフルーツを沢山つくりたがるようだ。　いくつかの生命の木の彫刻・絵シリーズの中でも木の実としてもっとも中心な作品シリーズだからだろう。それぞれ人を表していて、フエースフルーツが熟することは私の中では人間の魂の生長と同じ意味を表している。日本では造形用粘土を使っていたが、今回はファイバとボンドの混ざりのような材料で作ろうと思うので今までとは違うフエースフルーツになるだろう。とりあえず前の作品の写真を見せた（上）。そして今回のフエースの土台制作の写真もこのポストに入れた。粘土の時には土台として丸めた発砲スチロールに布を塗って強めた物が使われたが今回は針金で土台を作り、その間にファイバとボンドを混ぜたものを入れた。この材料をこれからシンプルにファイバグールーとかってに私が名ずけ、呼びます。

Visiting Jim Goin's Studio 「彫刻家ジムギオン氏のアトリエを訪ねて」

An outdoor covered area of Jim Gion's studio
ジム・ギオン氏のアトリエー屋根つきの外側

Jim doing the wax coating part of a bronze casting

ジム・ギオン氏が外のスペースでブロンズ制作のうちワックス塗りをしている

Many old works and various cast parts are stored and placed in the outdoor studio space

多くの作品や石膏の型などがアトリエの外側の空間に置かれている

Jim Gion is a sculptor friend from olden days. In fact I knew him from the time I was studying architecture at Oregon State University. I took my first sculpture class there as an elective class back in 1971. At the time I never thought that sculpture would be my profession in years to come. Jim was a senior then: I believe fresh from Vietnam. He was an outstanding sculpture student there at OSU at the time I was there; sort of like a chief assistant to the professor, and somehow I got to know him. Seven years later, while I was a graduate student getting MFA in sculpture at PSU, we met again. Jim returned from teaching English in Japanese University and decided to take take sculpture class at PSU while resettling in Oregon. He probably just wanted to use the fine bronze facility at the University.





Fortune has it I met Jim again in 2008 just few weeks after I returned from Japan. I found out that he has been making a living as sculptor in Portland. Jim has found niche in modeling sculptures of dogs and other animals, and judging from photos and works in his studio, he must have received hundreds of commission in this genre. Recently, Jim has sculpted lions for Portland Zoo.

Above photos: Jim's commission works for owners of pet dogs

上の写真ー飼い主たちから頼まれた犬の作品など

Visiting his studio in N.E section of Portland, I could see that Jim has developed his own techniques of rubber casting and clay modeling. I learned a lot in modeling and casting techniques from watching him. Besides modeling dogs and other animals, he does some abstract works and humorous pieces. However, what I'm most amazed is Jim's realistic figurative works. Jim possesses a natural feel for clay as he makes figures and portraits at an amazing speed. He can create a variety of texture with clay while catching all kinds of expressions. Watching him model clay, I had a feeling some people have a natural talent for this medium and for making a realistic sculpture. At the same time, I found that I don't. Jim says he gets most pleasure from depicting homeless people, and indeed some of his best works are those.

Display area of Jim's office
ジムのオフィースに飾られている多くの過去の作品

On my last visit, Jim showed me his recent experiment: he has been exploring the possibilities of cast paper. Jim showed me relief works that he has casted into paper praising the lightness that is contrast to his more typical works in bronze. I was interested in this a bit as possibility in my own work, but I have yet to try.

Relief work in cast paper
紙で型をとったレリーフ作品

Although sculpture has gone to various directions such as abstract and conceptual, its great that there are artists like Jim Gion who are doing figurative works and works that require lots of craft as these I believe are timeless basics that will live on art trends and fashions.

Modeling area of Jim' studio
ジムの室内モデリング作業場

Clay work in progress in a different part of the modeling studio space
室内モデリング作業場の別なコーナで新作制作中

A look at shelf in the modeling studio
アトリエのモデリングの場所に置いてある棚を覗いて見る

Some great works on the shelf
素晴らしい過去の作品が置いてある

ジム・ギオン氏は私が親しくしている彫刻家の中では最も古い友達である。彼は私がオレゴン州立大学で建築を学んだころからの仲だ。当時（１９７１年）建築をまなんでいたが、選択科目として彫刻の授業を私はとった。この授業とても面白かったがまさか将来彫刻家になるとはそのころは想像もしていなかった。ジムは確かベトナムから帰ったばかりで、戦争に参加する前から学んでいた彫刻を深めていてゼミでは先生のアシスタントのようなトップ生徒だった。何故かその彼を知るようになったが私は別な大学にその後移った。７年後、私がポートランド州立大学院で彫刻の修士学をえろう取ろうとしたとき彫刻の授業を同じ大学で学ぼうとしたジムと又出会った。彼はオレゴンに帰国したばかりで、それまで盛岡の医学大学で英語を教えていたらしい。

今度、日本から帰国した後また彼と二十五年ぶりにめぐりあった。今ポートランド市で彫刻家として活動し、作品を売って生活していた。彼は動物、とくに犬の彫刻を専門として活動した。犬のフェアーなどにテントをはり、犬のオーナたちから銅像の注文を受けて彫刻家として生きてきたようだ。最近ではポートランド市の動物園に飾るいくつかのライオン像を完成している。

そのジムのアトリエをアメリカへ帰国後私は何回か訪れた。今回はこのポストでそれを紹介したい。彼は粘土のモデリングと石膏・ゴムのかたどりが非常にとくいで、私にもいくつかの彼の秘伝のテックニックを教えてくれた。残念ながらいまのところ全然使うことがないのでつかっていないがでもいい勉強だった。彼はモデリングに関しては生まれつきの才能があるようで、粘土など面白いように自由に扱っている。あっというまに作品を完成する。私が大学院で朝から教室で彫刻を造っているころ、彼が私の肖像を作り始めた。普通の頭の二倍はある大きさの肖像をすぐ完成し、かたをとり、夕方までには石膏バージョンも完成した。私の石膏の肖像を天井に投げながら作品の頑丈さと軽さを照明した。

ジムは動物のほか抽象の作品やユーモアな作品なども造っている。最近では紙で型を取ったレリーフの作品の研究している。紙のもつブロンズの作品の重さとは別な軽さ、やわらかさに引かれているようだ。

でもやはり、なんといってもジムは肖像や人体像が得意のようだ。ジム自身も一番彼が好きなのはホームレスたちの表情などを描くときだっと言っている。動物などの作品で食べているせいなのか、彼に言わせるとお金や名誉などに気にしないで作品を造っているときがもっとも充実していて最も芸術的な作品が造れるといっている。

Another storage space with some portrait works

又別な倉庫の空間にいくつかの肖像が置いてあった

The work on the right is one of 'homeless portrait' that Jim loves to sculpt

右の作品はギオン氏が制作するのが大好きな「ホームレスの人々」の肖像の一つらしい

Profile view of the ' Homeless'

「 ホームレス」作品の横顔」

ジムの奥さんは日本人だが、彼が最も愛しているのはベトナム。もう何回もベトナムに行ったりきたりしていて、最近ではその国の大学から教員としてのオファーが来ている。来年のこのころではベトナムとアメリカで作品をモデリングしていることだろう。

Yuki's Wedding Book Cover Design 「ユキのウェディングボックの表紙デザイン」

I am very happy to say one of my former seminar student, Yuki Sakou (class of 04) got married recently. She designed the cover for her wedding book, and in it she used a photo of my sculpture piece which I have shown in January exhibition at Blackfish gallery. I am pleased to say an angel image of my work appears to be very appropriate with the subject of wedding and works well in her cover design. The cover reminds me of poster Yuki (yuki is snow in Japanese) designed for 2004 Ikeda sculpture seminar exhibition. 2004 group including junior seminar students was an exceptionally talented and energetic group, and many of them appear to take interesting directions after graduation. I hope them further success. And I hope Yuki and her husband a continual happiness.

元道都大学で私の彫刻ゼミのゼミ長だった、酒向ユキさんが今年の一月に結婚した。彼女の教師だった私にとっては大変嬉しい出来事だ。彼女はウェディングボックのカバーを自分でデザインし、そのデザインの中に最近制作した私の作品のイメージも入れた。エンゼルのイメージで結婚の内容に合うし、又、デザインの雪（ユキ）のモヨウとも合うようでけっこう私好きで気にいっている。この表紙のデザインを見ていると彼女が２００４年のイケダゼミ展のポスターをデザインした時を思い出す。あれからもう６年たつのかと思ってしまう。三年生もふくめて２００４年の時のゼミ生たちは大変優れたグループでそれぞれ面白い道をしっかりと進んでいるようだ。ユキもだんなさんと幸せな家庭をこれから築いていくんだろうなと思いながらこのポストを書いた。

youtube

video interview

Slide show of "Everyday Scenes from Leaves and Branches of the Tree of Life" Exhibition of works by K. Ikeda 「生命の木の葉っぱと枝の間におきる毎日の出来事」ケン・イケダ個展スライドショー

'Graduates Going Abroad "道都大卒業生たち海外へ」

Yoshida (striped shirt) was an outstanding student in my sculpture class. However, he was a painting major. He recently decided to further his study in painting by attending art school in Paris.　「私の彫刻の従業で優秀だった吉田君（０８’卒安田ゼミ）は絵画を習いにパリへ」

Masa Oohashi here working on a thesis project has gone to New Zealand to fulfil his dream of becoming a special makeup artist.　大橋将史君卒業制作の作業中。彼は（０４’卒イケダゼミ）はスペシャルメークアップアーチストを目指してニュウージランドへ行った。

Yuhi Kazama putting a finishing touch on one of his thesis project piece. Kazama has received a full grant to study art in Germany. 風間雄飛君（０５卒’イケダゼミ）は卒業後中島ゼミと東京造形大学の大学院で版画を学んだ。最近聞いた情報によるとドイツで留学できる大金つきの賞をもらい、ドイツで美術を学んでいるらしい。

As soon as I learned from a New Year letter that one of the Dohto University graduates has gone to Paris, France for a post graduate study in art, I read in mail that another is hurrying to get aboard a plane to Venice from airport in London and left me at that. Apparently he is going to attend a graduate school in England within week and is taking a tour of Italy before the school opens.

For some reason there seems to be a mini trend to go abroad for study or practice art among some of the students that I have taught at Dohto University in Japan. Not that Japan is culturally dead. There's plenty of art activities in Japan and standard of modern art is very high there. It seems some left because they might have thought their personality and art style fits better oversea and thereby have better chance to flourish. And then there are others who probably have thought they may learn new things from a foreign school and perhaps, a change of scenery may inspire them more. Still others such as Masa Ohashi left for other countries for a purpose that can be attained better in other countries. In his case, Masa left Japan couple years ago for New Zealand to see if he can become a special makeup artist. So far as far as I know, there seems to be one graduate in France, one in Germany, one in Holland, one in New Zealand, and two in England. There's none in US and I won't go over the reason, but I hope in near future there would be few.

Isao Umeda has recently moved to England to attend a graduate school in England. Here he is giving a performance while exhibiting work in Nagano Japan.　梅田力君 は今年の一月からイギリスの大学院入学。上の写真は長野の高校を教えていたころ、個展をひらいた時のものでギターをひいているのが彼。

お正月の便りでパリへ卒業生が絵を学ぶために行ったと聞いたすぐあとメールで別な学生がイギリスの大学院（？）へ一月に入学し、大学の授業が始まる前の観光なのか、今ベニス行きの飛行機に乗り遅れるから失礼というメセージが来た。

何故か最近ミ海外へ行き、美術活動するのが道都大学の卒業生の間でミニートレンドであるようだ。日本の美術文化が貧しいからではない。むしろ、私が見たところ近代美術に関しては結構日本のレベル高いと思う。海外で活動している道都の卒業生たちの学生のころを思い出すとみんなエネルギッシュな性格の持ち主だ。イギリスに移住している佐々木エミリなどこの点、飛びぬいていた。中では彼らたちの作品や性格から見ても、海外のほうにあっているような人たちが多い。それと大橋将史君のように、特別な目的で海外へ行った卒業生もいる。彼のばあい、ペシャルメークアップアーチストを目指してニュウージランドに二年以上前に移住した。あと海外へ行く魅力はヨーロッパの伝統や外国のちがう雰囲気が魅力のよう。大変だっと思うが、新しいことを学びながら刺激を受ける彼らたち、ちょっとうらやましい。子供たちの才能を信じ、伸ばそうとと応援している親たちがいるからでのトレンドだ。

Garden wall of Emiry's house in England before repair.　修理する前のエミリの庭の壁。イギリス

Garden wall after the repair 修理後のエミリの家の庭の壁

Emiri Sasaki has been living and actively making art in England for several years. She recently moved to a town that retains some traditional English scenery. Here she has begun teaching art to kids, and married an Englishman. Above are photos of her most recent home project of repairing a garden wall.

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佐々木エミリ（９９卒ナットリゼミ）は卒業後すぐイギリスに行き、ロンドンあたりで美術活動していた。最近は古風な風景の町に住み、そこでイギリス人と結婚し、子供たちに美術を教えているらしい。彼女の昨年の家のプロジェクトは庭の石の壁の修理で上の写真はそれを語っている。