Horses and Myths: Works of Steve Tilden Part I 「神話と馬ースティブ テイルドン氏の作品 第一」

"Io and Prometheus" by Steve Tilden 「イオとプロメテウス」


この前のポストで語ったアトリエのオナー、スティブ　テイルドン氏は面白い履歴をもっている芸術家である。はじめに彼はハワイ出身。アメリカ大統領のオバマ氏の母校出身で大統領の大先輩になる。彼の父は真珠湾攻撃を見ていたらしい。三十年後、彼は海軍にいた時、有名な真珠湾攻撃の映画「トラ、トラ、トラ」の制作を見ていたらしい。「ゼロ戦が飛んでいた」と私に語った。ベトナム戦争の時海軍にいて、その後コンピュータ関係の会社につとめたり、個人の土木会社を建てたり、そして１４，１５年まえ五十代で芸術家になることを決心したらしい。しかし、彼の学歴は教育分野でそれも博士号をもっている。。。　しかも世界の１０本の指に入る大学、カリフォルニアバカリー大学で。このような履歴・背景の持ち主の作品といえば、気になると思うが、材料は違うが、私が教えた札幌の道都大の学生たちの作品とそうちがはないように見えた。。とくに彼の彫刻は。

テイルドン氏は彫刻や絵など様々な方法でいくつかのテーマを内容として作品を制作している。この中で「馬」をテーマにした作品、とくに神話に関係するものについて語りたい。まず馬についてだが、彼はかなり詳しいようだ。馬の感情や表情を簡単な形でつかむのがとくいそう。下の写真の作品、「ガルビンの馬」は傷ついて苦しんでいる馬をしかたなく射殺し、その打たれた馬がくずれ、お別れをむかえる場面である。表現力をつよめるてめに首などを長くしているがシンプルでむだのなく、くずれる馬を鉄板で描いている。

スティブは話が好きで又語りが非常に上手である。彼のアトリエに行くたんびに面白い話を聞かせ、気がついたら、私は彼の豊富な経験と知識で作られた話の世界に入りこんでいる。このような話が好きなスティブはもちろん神話、とくにギリシャ神話が好きなようで、彼の作品のテーマによく使われている。上の絵「イオとプロメシアス」がいい例。いやながら、ギリシャの神の王、ゼウスに好かれ、女王神のヘラの怒りをかい、牛として牛アブに悩まされながらさまよう女性、イオと人間に火を使える知識を与え、同じくゼウスの怒りをかい、岩につながれた、タイタン族のプロメテウスの話をもとにした作品。ここでは二人が出会った場面で、牛の姿の中で本当のイオの姿が見えるプロメテウス、イオに同情とホープを与える。いずれイオはエジプトでゼウスによって人間の形に戻る。そしてイオに希望を与えたプロメテウスは彼女の祖先、ヘラクレスによって自由になる。これら罪のないものが天の気まぐれにより、罰を受けたり、また愛情や思いやりにより、不公平な事情が公平になったりするあらゆる人間のドラマが面白く、描かれているところにスティブはギリシャ神話からインスピレェションを受けているのだろう。

スティブの絵では牛の形だけれどイオはやさしく、女性的な表情で描かれている。そしてプロメテウスの顔の表情も説得さ、むなしさ、思いやりなど複雑な表情が上手くえがかれている。赤と黒のドラマチックな背景も効果。それとプロメテウスが手にもって彼女にささえているように見える火は希望の光のように感じる。

イオなど神話の話をかたりすぎたので馬と神話についてはパート２で語る。


Left, "Galvin's Horse" 左、「ガルビンの馬」


Steve Tilden whose studio I discussed in a previous post seems to work with several themes in various media. Of these, I would like to introduce works that deal with the theme of horse, especially those with reference to myth.

Steve appears to know horses very well as he to me depicts the movements and feelings of horse gestures in most simplest forms. "Galvin's Horse" image on the left for instance catches the mood and gesture of a dying horse in expressively elongated, but simplified sheet metal form.

I have seen other works in his place that are more abstract and deals with the expressive form of horse only. For the most part though, Steve seems to like story behind his horse works.

Talk about story, Steve to me is a Blackfish version of Homer or Sheherazade, a marvelous teller of story who with background as varied as being sailor, contractor, PhD recipient in education as well as being an artist, possesses in his head, equally bottomless trove of interesting and humorous stories. I found myself deeply immersed listening to Steve's stories each time I visit his studio.

Though Steve has lots of stories to tell from his varied life's experience, myths, especially Greek myth appears to be his favorite subject. His painting, "Io and Prometheus" (above) displays this interest towards Greek myths. Innocent maiden, Io forcefully transformed by Zeus into a wandering bovine pest by gadfly, and humane titan, Prometheus chained to rock by Zeus for teaching mankind usage of fire shows to me capriciousness and injustice of Greek divinities, but perhaps point out a whim of human fate. At the end, Zeus finally transforms back Io into a woman and for giving hope and kindness perhaps, a descendant of Io, Hercules unchains Prometheus.

These ironies, capriciousness of human fate, secular nature of Greek divinities, humanity, symbolism and vivid imagery and being just darn good entertainment are perhaps some of the reasons that attract Steve to illustrate these Greek myths in his works.

In Steve's painting Io's face appears together with that of ox for Prometheus can see Io within the feminine bovine figure. Varied expressions such as consideration, plead, and love on
Prometheus's face is convincingly painted and the fire that he holds amidst a dramatically painted red and black background appears to me to be the light of hope. And Hope is what he gives to Io.

Here, I meant to write about Steve's horse works, and I found myself getting side track with Io. Though not as much as Steve, I also find fascination with myths and fables. I'll fix this by writing this post in two parts, with the second on Trojan horse..

Welding at Steve Tilden's Studio/House 「スティブの家・アトリエと溶接」

This post discusses on Steve Tilden's house/studio, and on my welding work there.　「このポストではスティブ　ティルドン氏のアトリエ・家とそこでの私の溶接作業について語ります」

A gate door recycled from car.「自動車のドアーで作られたゲイトのドアー」

Terrace garden with view towards Mt. St. Helen. Note interesting, free flowing, serpentine shaped gutter to the right. 「未完成の中庭。火山のセイントへレン山の方をむいてる。右の蛇のような面白い形をしたガター（樋）に注意」

　　　　　　　　　　　　　　　　Studio space 溶接などの設備があるアトリエの部屋



スティブ　ティルデェン氏は最近ポートランド市で合った親友です。彼は私が６月に入った共同ギャラリーブラックフィシューギャラリー〈画廊）の元会長です。彼の招待で三週間ほど前から週に一回か二回ほど溶接など学びながら彼のアトリエの設備を使わせてもらっています。学生のころ溶接をしていましたが本格的にはやっていません。あまりいままで良い縁がなかった彫刻道具です。このことは下の英語のほうでこまかく書いています。ここでは場所をとるので短く。今回は溶接とは上手くいくような気がするとのことでこれについては終わらせます。

日本語ではスティブの家・アトリエについて語りたいと思います。彼の家は彼のデザインによって工場で組たて式に作られていて、細かい部分や、水道、電気、庭など本人が自分で組み立てたようです。　アメリカならでの自由に作られた芸術家に合わせた家とアトリエが重なって作られた建物です。場所もちょうど住宅地と工場地帯の間にできていて、そのすきまに緑でつつまれた空き地があり、立体芸術家や工芸家たちにはちょうどいい場所じゃないかと思います。

アトリエは二つ部屋があり、けっこう窓がたくさんあり、明るくまた天井も高く、息苦しくないですね。スティブは色んな物を見つけ、新しく使いなおすことが好きで家中面白く、使いなおした物だらけです。ここではとくにめだった二つを写真でうつしました。最初車から出て入るのがゲートのドアーですがこれは古い自動車のドアーをつかって作られています。さっそくこの段階から変わり者が住んでいる家てわかります〈笑い）。下の写真に写っているロッカーですが、古い工場で使われた物をきれいにして、中には茶碗などが置かれるように棚がくみたてられています。写真には見えない素晴らしい色にしあげてあります。この棚がある部屋は同時にケッチン、ダイニィング、応接間、勉強場とギャラリーのやくをする部屋です。彼の作品や友達や彼が買ったものが展示されてあります。二回が風呂場や彼のベッドルームなどがあるようです。

庭は広く、まだ未完成のようです。迷路のような形でどこからでも違うふうに見れるようなデザインの庭を造るような感じです。横には粘土などやく釜の設備や材料などをおく場所もあります。人の好き好きもありますが、自分の生き方に合わせて作った家・アトリエ、私にはスティブの家かっこういいなあと思い
ます。


To the left, locker dish cabinet with mythological cat woman piece on top sitting.　Space beyond the open door is a studio. The bottom two shows kitchen/dining /study/living/gallery space with works of Steve and others .

左は茶碗などが入っているロッカーで作られた棚。その上にすわっている人体はギリシャ神話の劇をもとにして作られた「猫女｝。開いたドアーの向こうはアトリエ。下の二つの写真はスティブのケッチン・ダイニングー・応接間・勉強室・ギャラリーで彼の作品の他、友人や買った物がかざられている。


Steve Tilden is a new friend whom I met when I joined Blackfish co-op gallery in Portland, this June. He is a current co-president of Blackfish. Blackfish annually holds 'Retreat' which is a meeting held outside of gallery to discuss major issues
concerning gallery and plans for future. This year it was held at Steve's home, and it was chance for me to see his wonderful home/studio in northeast Portland. Upon complimenting his studio/ house, Steve generously offered me an opportunity to use his facility and learn welding. Although I've done little gas welding at Benson Polytechnic Highschool and at PSU, the experience was insubstantial, and it was bad (laugh). Guy next to me was so careless, that one time he leaked oxygen gas that ended with a huge bang just a foot away from my work area. Another time thanks to him, a whole two cubic foot of air in front of me turned into flame! He leaked the acetylene gas! Later at PSU, while working on welded sculpture, I tried to hammer the sheet metal into a form after welding on anvil. However, all the banging of hammer irritated people at registration office down below the sculpture room. So much for welding. But this time at Steve's I find myself enjoying the process. It'll take a while to master the process, but with Steve's guidance I think this time I think I'll make something of it.


Here, I am showing photos of the Steve's studio/house, especially for my former students in Japan who probably are not use to seeing such a creative freedom found in designing and building Steve's place. Details such as a gate door made of old car door, a free flowing, serpentine gutter and labyrinthine garden, a locker dish cabinets as well as just sheer size of the studio I'm sure would fascinate Japanese audience. Because of it, I will write more on this aspect in Japanese version of this post.

New Wave in Yubari-Part 2 Students 「ニューウェブーin夕張展その２卒業生たちの作品

a photo of "New Wave in Yubari Exhibition"「夕張展会場」

"Living" a photo by M. Atsumo 「生」　アツモ

Below bottom "Camouflage" by Ikkun, center illustrations by Attan including "Yubari Melon", and sales corner with original cards, bags,badges and 'coal flutes on top.　下、下からイックンの「カモフラジュ」、真ん中はアッタンの「ゆうばりメロン」や「幸せの黄色いハンカチ」などイラストと上はオリジナルバッグ、カード、バッジや「炭笛」などの売り場。

この「ニューウェブーin夕張展」のサイトを作ったアッタン（須網明子）をはじめとして５人の卒業生たちが道都大学の先生たちと一緒に夕張美術館の市民ギャラリーで作品を展示した。彼らたちは四、五年ほど前、学生のころ一緒に道都の学際などで活動した仲間たちのようでこのような形で久しぶりに集まったようだ。

学生のころ彫刻、陶芸、コンピュータグラフィックなど専門は別々だったが、ほとんどが卒業後デザイン関係の仕事に就職し、展示した作品にはそれが私には明らかに見える。作品を作り、展示などして久しぶりに昔の仲間や先生たちと一緒に活動するほか、赤字におわれた夕張市にエールをおくるのがもう一つの目的のようで、いくつかの作品にこれも見られる。私の彫刻のゼミ生だったイックンの「カモフラジュ」の作品がいい例だ。卒業後、ダンボール会社にデザイナとして就職した彼は会社の材料のダンボールで蛙の彫刻を作り、それを夕張市の名物、メロンの色の緑とオレンジで塗った。　色んな要素を入れた作品で上手く考えたなと関心。。。　さすがイックン。

アッタンも同じく、夕張市をテーマにして作品を作ったようで、『ゆうばりメロン」や夕張市を中心として作られた高倉ケンが主人公の名映画、「黄色いハンカチ」をモチーフにした「幸せの黄色いハンカチ」などがそうで、これらをバッグのデザインなどにして販売しているところは同じく関心。。。さすがアッタン（笑い）来展示後夕張市などで販売してほしいもんだ。

あと実物を見たくなるアツモマユミさんの写真や和田マキさんや吉田君などの作品などが見られる。詳しくはアッタンが作った「ニューウェブin夕張展」のサイト

　http://www.k4.dion.ne.jp/~tsumami/yubari_web/repo/20090623.html　

をみてください。左下の卒業生のリンクでもこのサイトにいけます。デザインなどの仕事で忙しいと思うが、この展示をきっかけに卒業生たちにもっと美術活動してもらいたいものだ。
　

Led by Attan who also made the site for this exhibition, five former students of class of 06 and 07 joined former professor and a guest lecturer of Dohto University in this exhibition at the citizen's gallery at Yubari Art Museum. They appeared to be the members who worked together for campus festivals and other school activities together in those mid 2000 school years. The curator of Yubari museum Mr. Kudo is also a member of this group, and I assume he invited them all for the show. Though members vary in majors from ceramics to sculpture to computer graphics, most of them worked as designers after they graduated from school and works in this exhibition reflect this. Ikude or Ikkun as we called him, for instance was my sculpture seminar student and after graduation he worked as a designer for cardboard manufacturing company. In this exhibition he has made a green and yellow frog out of cardboard. Its a clever piece because to me it shows reference to his major, sculpture and reference to his work, cardboard designer, and to the city of yubari with green and yellow color of city's famous product, Yubari melon.

Akiko Suami or Attan as we call her also has works that reflect her occupation as designer in Tokyo and her support for the city of Yubari which as I mentioned in Part I is going through hard times with reference again to the city's products.

Other notable works include photos of flowers and can by Mayumi Atsumo and graphic works by Maki Wada and Yoshida. Most of these works appeared not to make serious artistic statement, but were created with lots of fun. The exhibition was an occassion for participants to set aside their works and get together with old school friends and teachers, and works of students reflect this. Hopefully, this will stimulate students to further creative works.

New Wave in Yubari Exhibition, Part I -Teachers 「ニューウェーブin張展： その一先生たちの作品」」

Surrounding professor Kosuge are from left, former students Mayumi Atsumo, curator Mr. Kudo, Takashi Ikude and Akiko (Attan) Suami

夕張美術館の市民ギャラリーで元道都大学教授の小杉教一先生と陶芸家、中島知之先生と卒業生５人が「ニューウェブーin 夕張展」を六月に開いた。小杉先生は道都ではプロダクトーデザインを担当していたが、北海道を代表する漆作家でもあります。又、長年をわたり多くの照明の作品を制作していて、このグループ展でもそれらの作品を展示しているよう。

中島先生は陶芸を客員講師として道都大学で教えていて、普段は実用的な作品を制作しているようだが、ここでは「炭笛」など夕張の歴史に合わせた自由制作品も展示している。

小杉先生の照明と中島先生の作品について私が感じる共通点は彼らの作品には伝統的な和風の雰囲気が感じられることです。それを近代的な形にそれぞれの個性や想像力にあわせ造られたもののように感じます。近代的でありながら伝統的な味があるから多くの人にアピールすると思います。

昔、小杉先生の漆の作品を私は札幌で見ました。道都大学がオホーツク海を向かい合う紋別市にあるころ先生がよく見たと思う「流氷」をテーマにした作品シリーズでした。抽象的ながら、「流氷」の雰囲気を上手くつかんだのにはとても関心しました。今回は主にお花や人体をテーマにした作品を展示しているようで、おそらく最近の先生の作品でしょう。実物をみないとなんともいえないですが、退職しても新しい方向に進む先生のエネルギィと創作力には関心します。

この展示はそれぞれの制作作品を展示するきかいだけではなく、昔の生徒たちと一緒に久しぶりに活動するきかいでもあり、又、夕張市をはげます会でもあったよう。思い出いっぱいの展覧会だったと思う。

卒業生の一人、アッタンがこの展覧会のサイトを作った。「ニューウェブーin夕張展の詳しい内容を知りたい人はこのサイトを進める。

http://www.k4.dion.ne.jp/~tsumami/yubari_web/repo/20090623.html　

又、このブローグの左下の卒業生のリンクにサイトへのリンクがのせてある。

　　Left,"Winter-Floating Ice"「 冬ー流氷」 Right, "Summer- Butterfly"「 夏ー蝶」〈漆）

"Tower" lacquer「塔」ー照明

Works above are those of Professor Kosuge. Below are works by T. Nakajima with "Coal Flutes" on top and " Beer Cups" below.　
上の作品は小杉教一先生の作品下の写真は中島知之先生の作品　「炭笛」と「ビールカップ」

Professor Noriichi Kosugi who recently retired from teaching a production design and ceramicist, Tomoyuki Nakajima along with students who graduated from Dohto University few years ago gathered together to exhibit their recent works at citizen's gallery of Yubari Art Museum.

Besides a forum to exhibit their recent works, the exhibition appears to be an opportunity for those involve to celebrate professor Kosugi's retirement and get together again. Judging by works and comments on paper, it also appears to be a way for those involved to support the city of Yubari which is going through financially difficult times.

Besides teaching production and interior designs, Professor Kosugi is one of the foremost lacquer artist in Hokkaido. I have seen his lacquer ware works in the past in Sapporo. These were works on "Floating Ice" series that depicted abstractly in lacquer the floating ice of Ohotsk Sea that in late winter, visits Monmbetsu city where Dohto University use to have campus a decade ago. I have seen a floating ice so I was amazed that professor Kosugi was able to capture the feeling of floating ice geometrically in such a media. Pieces in this exhibition appears to be new works that has combine floral and nude figure themes. I cannot make comment on these as I have not seen them except in photos, but I am pleased to see the professor abosorb himself in creativity after his retirement.

Both Nakajima and Kosugi appears to have fondness for traditional esthetic of Japan as the forms and colors of their works showcase this. Nakajima's works that I have seen and is displayed in the exhibit are usually functional ware and have simple forms and 'shibui' or rustic color that seems to be at home with tea ceremony and old wooden houses of Japan. " Coal Flutes " is one nonfunctional artwork of Nakajima that pleasantly surprised me. It has reference to Yubari's coal mining past. But like professor Kosugi's lanterns though original, these seem to possess the form and feeling reminiscent of Japanese traditional art and craft. One can say their works are modernized and personalized version of old tradition and perhaps because of this, probably appeal to many.


Note: City of Yubari is one of those former coal towns you find not only in Japan, but elsewhere including US which flourished when coal was a major fuel source, but rapidly declined with cease of coal production. It had some success recovering through producing famous Yubari , melons, but its other recovery project, an ambitious theme park has gone awry, resulting city in a financial red.

Branches of Ｇｉｎｇｋｏ Ｔｒｅｅ 「デックの上のイチョの木の枝」

Above is branches of gingko tree after the cut and on the deck. 切ったイチョウの木の枝がデックの上に置かれているところ。三月下旬ごろ。

Above is branches of gingko tree with barks peeled off. Below is a ginkgo tree in my yard after the cut.　上は木肌をはいだあとー５月上旬。下は枝を切ったあとのイチョの木




I have cut lots of branches off the Ginkgo tree in my yard last summer and found that they possessed the quality I wanted in my "Tree of Life "work. The bark of peeled off easily and smoothly, and once they dried, they hardened. The tree was planted by my father back in 1980 when he bought it from a Japanese landscaper who also owned a small nursery. I found that it has grown to a considerable heigth while I was away in Japan.

So this March, as the tree needed cutting to avoid the electric lines, I cut some more. Actually a lot more, and spent the next month and half peeling the branches out on my deck. You can see a huge pile of branches on my deck. Later, I did some more work on them at the basement in my deck. However, with these I think I will leave as natural as possible for a while

昨年の夏、父が三十年ほど前庭に植えたイチョウの木の枝を　　切った。枝は私の「生命の木の作品」にふさわしい材料とわかった。木肌が簡単に取れ、乾いたら結構かたくなった。私が日本に滞在している間電線にあたるぐらい高くなっており、ちょうど切る必要があったので、今年の三月に本格的に枝を切った。枝は私の庭のデックの上に乗せ、天気やほかの予定にあわせ、四月の終わりごろまでかけて皮をはいだ。このポストにのせている写真がそれだ。　（イチョの木は通常アメリカに無い。アメリカではめずらしい日本の木を育ってている日本人の庭職人から買った）

その後、地下のアトリエでところどころタコ糸などをまいて、私なりのしあげにした。枝そのものが美しいのであまり手をかけないで、最初はそのまま重なった枝だけで展示しようと考えている。

Kazama's Exhibition at Saito Gallery「風間雄飛版画展」

Kazama standing on right, with members of class of 05' Dohto University　Ｆaculty of Arts 〈（上、道都大学美術学部の２００５年の卒業生たちと）


風間雄飛君はもと私の彫刻ゼミで下の卒業制作の写真の蛙をはじめとして様々な印象に残る動物作品を制作した。卒業後版画にシルクスクリンやリトグラフ版画 の制作に集中し、道都の中島ゼミやその後、大学院生として東京造形大学で腕をみがいたよう。いくつか大きな版画の賞をもらい、私の聞き間違いでなければ最 近ドイツで版画を一年研究できる賞をもらったそうだ。

ドイツに行く前、今年の春早く、斉藤ギャラリーで前ポストで報告した、マイマイと三上 展の隣で風間君は個展を開いたようで、ここにポストしたいくつかの写真がそうだ。同学年のマイマイから送ってきてもらった写真では展示の様子がわかるが残念ながら細か く作品が見れない。しかし、私が知っている風間君の作品にはいつもダイナミックな構成、優れた色彩とデッサン力が見られたから今回もコンテンツは別でもこ れらの技術は作品に表れているだろう。

美術の基本技術に関しては風間君は私が出会った道都の生徒たちの中ではもっとも優れていた一人だっ た。もちろんこれからも版画では優れた作品をつぎからつぎと制作すると思うが、学生の時、彫刻や洋画の分野でもにもたっぷりと高いレベルの才能を見せた風 間君、いずれ幅を広げたい時、又彫刻や洋画、あるいはまだ経験のない新しい分野でもその才能を見せるだろう。





Above two photos are exhibition of print works at Saito Gallery. Below shows Kazama modeling a leaping frog fro thesis exhibition.（ 上、斉藤ギャラリーでの個展と下は卒業制作の作業姿）



Formerly, a member of my sculpture seminar, Kazama made number of memorable animal pieces in clay when he was undergraduate student such as this frog piece on the left t hat he modeled for a thesis exhibition. Upon graduation, Kazama has concentrated on silkscreen and lithograph printing, first with Dohto University's Nakajima silk screen seminar, and later as MFA student at university in Tokyo. Kazama has received major awards in printing and if what I have heard is correct, lately has received an invitation to study abroad in Germany for a year with full financial award to go with it.

Kazama will be leaving for Germany in Fall, but prior to going, he held an exhibition at Saito Gallery at a room next to Mai Mai and Mikami exhibition which I reported earlier in this blog.
The photos I receive on this exhibition does not provide a detail view of prints, but from what I know of his talent, and from what I have seen of his earlier prints, I am sure they exhibit dynamic composition, excellent color sense, and a superb draughtsmanship for in terms of traditional artistic skills, Kazama was easily one of the best I've seen at Dohto.

Mario's Recent Sculptures 「最近のマリオの彫刻」

" You're Wonderful"「貴方はワンダフル」

These are recent painted sculptures of Mario that I have seen at his shows in Blackfish Gallery.
With his permission I am showing them here. Though painted recently, many of these works appeared to be pieces that were welded together in steel in much earlier date, some as old as twenty years. If you check Mario's blog, which I have listed on the left side of this blog, you will see him on You Tube. You will see how he painted these sculpture forms and transformed into what you see here. Its exciting, and interesting to watch, and I recommend highly for my former Japanese students many of whom may be more use to preplanned or carefully crafted paintings and sculptures. Mario appears to paint spontaneously, just playing with paint and enjoying what comes. Perhaps Mario has certain image in his head prior to painting the work, but seeing him paint, it doesn't seem to show this. Result to me is a work of exciting blend of color and three dimensional form.

" My Awesome Niece" and " Internet" pieces shown above are for me just beautiful three dimensional forms that were made more interesting and 'alive' with paint on it. With some imagination , one could sense a face in them. To me " Internet" looks more like a neo African mask or Mario's version of 'Green Goblin' mask of Spiderman fame, but with these it maybe up to viewers what they see.

'You're wonderful" is one of my favorite piece of Mario. It has a mirror in the center so you can look at yourself and feel better with all the sparkling painting whirling all around it. The first time I saw this piece was when Mario had it displayed in the backroom of the gallery, and as I was telling Mario some negative feelings, he pointed this work few feet away. Panacea! Chuckling, I immediately felt a whole lot better.



"the Internet" painted, welded steel　「ザ・インタネット」



"My Awesome Niece"　「私のすごい姪」


これらは最近ブラックフィッシュギャラリーで見た私の友人、マリオの彫刻作品です。彼の許可をえてこれらを紹介します。 これらは昔、溶接で制作した作品ですが、最近ペンキを塗って雰囲気を変えました。 このブローグの左の方ににリストしたマリオのブローグを見ると彼がこれらの作品をペンキで塗り返しているところが見えます. このU-Tubeをとおしての作業姿はとても面白いと思います。　なぜならほとんど感にまかし、気にいったところで「完成」しているようで、真剣に描いていると思うんですが遊んでいるようにしか見えません。　結果はとてもだいたんで賑やかな色彩と三次元の形の混ざりです。

「私のすごい姪」と「インタネット」の作品は私にとって絵の具を塗って形が面白く、生きてた感じがします。抽象的な形とも見えますが、少し想像力を生かすと「顔」の形も見れますね。どちらかといえばアフリカのマスクかスパイダマンの映画にでたグリーンゴブレンのマスクに近い感じですね。しかし、これらはそれぞれ見ている人の想像により違うものが見れるような作品でしょう。

「貴方はワンダフル」はマリオの作品のなかでももっとも好きな作品の一つです。中心に鏡があり、これを見ている人は周りのスパークリングな絵により、いい気持ちになるようです。最初この作品を見たのはブラックフィッシューの後ろにこの作品が展示してあったときで、。マリオと合って話をしていたのですが、マイナス的な私を見て、すぐ後ろの作品を見なさいとマリオに言われて見たら、笑い、いっぺんに気持ちがよくなりました。　それぞれ三十センチから四十センチの鉄を溶接で完成された作品です。

「ファブリックの世界ー三上イズミ・杉本マイ展」 (Japanese version of Sugimoto /Mikami Exhibition)

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　上、中島先生とマイの作品














左、、黒いほうが三上で色のほうがマイマイの作品

杉本’マイマイ’　〈０５’卒）と三上’イズモン’（９７’卒）は道都卒業生でシルクスクリ－ン版画などで名の知れている中島ゼミ出身です。マイマイは私のゼミで粘土を材料として面白いキャラクタを造っていましたが、途中で草染めに目覚め、そちらの専門になりました。この展示は札幌市の中心にある斉藤ギャラリーで開き、主に草染めのやや抽象的な作品１０点とシルクスクリーンで染めたキャラクターいっぱいのファブリック１０点でかざられているようです。そのほか、古い染物の切れ端でできたかわいいソフトスコルプチャーのキャラクターも展示されているようです。マイマイがあの面白いキャラクターたちをソフトスコルプチャーの分野で生かしている事については元彼女の彫刻の先生としてうれしいですね。

三上は道都大学では非常勤講師を何年かしていてフアブリックのほか、木版画やイラスト、漫画など幅広く、面白いオリジナルなキャラクタなどが登場する作品を次から次と制作しているようです。今回はマイマイと同じように壁を１３点の染めた布で飾っているようです。　今回は一つの熊さんのパータンを応用し、いくつかのバリエーションを制作したようです。三上さんの作品ですから、熊と言えどよく見ると熊の大きなパータンの中に様々な小さい面白いパータンが見られると思います。写真だけみると主に黒色で染められているせいかいつもより、重く、シリアスな雰囲気を感じますがおそらくちかずくとニッコリするでしょう。

今回は三上さんの傑作漫画シリーズ「わらびも」のほか最近書き出したトマトの顔をした宇宙人が登場する「ポモドロー」がテーブルに置いてあるらしい。　「ワラビモ」全巻全部アメリカまでもってきた私、「ポモドロー」もいつか読みたいものです！面白い、オリジナルキャラクター作りに関してはこの二人、トップクラスですが、写真の成果、今回は壁いっぱい飾られた染めたファブリックの存在・雰囲気に目がひかれるようです。

Exhibition of Dyed Fabrics by Mai 'Mai Mai" Sugimoto and Izumi 'Izumon'Mikami

Above: Fabrics and soft sculpture pieces by Mai Mai (large) and Izumon's character by her mother (small). On the table are comic books by Izumi (Izumon) Mikami

Above: Mikami's dark fabric works

Left: Detail of Mai Mai's silk screenwork


Mai Mai Sugimoto and Izumi Mikami held exhibition consisting mainly of dyed fabrics at Saito Gallery in the center of downtown Sapporo. Mai Mai was a student of mine (class of 05') and made some wonderful characters in clay, but moved on to dye works. She especially has a special affinity for natural vegetative dyes, and much of her pattern fabric works are done in this medium. More colorful works in which her characters appear are done through silk screen print. In this exhibition, she has also included a soft sculpture piece of one of her character that she made of strips of old dyed fabrics.

Mikami also graduated from Dohto University (class of 97') , and if I am not wrong is currently a guest lecturer there teaching woodcut prints and fabric dyeing. Mikami works with a variety of art medium, but is also noted for wonderful characters that appears in story illustrations, comic books, paintings and soft sculptures as well as wood cuts and fabric works. This exhibition appears to be most sombre of her works as she apparently wanted to explore variation of one pattern on bear. Unfortunately I do not have a detail photo here, but if you ever look closerly here, you will see all kinds of interesting figures and patterns within the major pattern that is seen in the photo above.

Unlike most of their other exhibitions, this one is almost all fabrics... 13 each. Besides the merit of each work, walls of fabrics in color and in black and white must have been imposing and fascinating in themselves.

Other than fabrics and soft sculptures are copies of comic book series by Mikami, "Warabimo" that describes a really funny sadistic/masochistic relationship of cute characer warabimo and his young lady owner. It's a great home made comic book and I have all the volumes that were published up to last year and brought them to US.

Though not too apparent in this exhibit, when it comes to developing a really unique, original characters both Mai Mai and Izumon Mikami are among the most talented I've seen.

"Third Exhibition at Blackfish- The Walls" 「最後の昔のブラックフィシューでの個展ー「壁」シリーズについて」

I will end posts on my early Blackfish exhibition with this one. The third one was on my second groups of "Wall Series" whose photos I have shown in earlier post that discussed my early shows at Blackfish. I will just leave a small photo image here as this is repeat. It was held at the early part of 1983 just before I left Blackfish as I was planning to move onto other things. These were shown on a new space that Blackfish lately bought. A narrow space next to Blackfish was opened for rent so members took over and refinished it. This extended the space to the point that space wise, Blackfish possessed one of the the three largest commercial gallery space in the Northwest. So Irene Senners, a superb artist, took over the main gallery, and I the side gallery, and we both I believe were well received by artists and critical viewers.

Unlike earlier pieces, these Wall pieces were fairly uniform in terms of size, shape, and materials used. And also different from earlier pieces, there was definite difference between front and back side of walls. The front area was much more paintly while the back was more uniform with near single tone coloring. Unlike earlier works also was that instead of reflecting the human presence through weathered walls of surrounding walls of old buildings, these I felt were more like painted monoliths with more of stonehenge like presence as though they abstractedly recorded the passing of eons of time or like something to the effect of monoliths that appeared on that great movie, 2001 Space Odyssey. Come to think of it, the author Arthur C. Clarke was one of my favorite SF author. In fact I have listened to his lecture at Gill Coliseum in Oregon State University back in 1970.

昔のブラックフイシューギャラリの展示についてのポストはこの三番目の私のここでの個展についてで終わらせます。この個展の作品の写真は前のポストで見せましたから小さいのをもう一度見せるだけで終わらせます。１９８３年におこなわれたこの個展は新しいスペースで開きました。ギャラリーのお隣に狭い空間が開いたので、うちらが借り、壁や床をリフォームして展示できるようにした。展示の空間でいけば当時米国北西部のコマシャールギャラリーの中では少なくてもトップスリーに入るほど大きくなった。私の道都の卒業生にわかりやすく言うと、多分廊下も含め、小林先生のゼミ室から内藤先生のゼミ室までの空間の広さはあっただろうと思う。おかげで大きな作品をつぎからつぎとエンリョなく展示できた。

この機会に二番目の「壁」のシリーズの作品を展示した。これらは前の「壁」の作品とは違いほとんど同じ形で同じ大きさで、材料もほぼ同じ、まとまったグループにした。又、前の「壁」の作品とは違い、崩れかけたｌ古い建物の壁のイメージを応用し、人の気配を現すのではなく、もっとイギリスのストーンヘンジで見られる古代の雰囲気を持つ固体のようなものの雰囲をもっているように私は思った。けっこう良い評価を多くの芸術家や鑑賞家たちから受け、これらの作品の製作者として今でも紹介される。

"The Floor Series" 昔の作品シリーズ「床」について

Work to the left, "Floor #1", stain over emulsion paint on lumber. shown at the Blackfish backroom 10"x22"x96" , 1981　　　「材木の上に緑と黒のエムルションペンキとスタインを塗ってある。長さ、やく２メートル５０センチ」

Work right above, "Floor #3", 4"'x42"x12o"　(not exhibited)「長さ、やく三メートル２０センチ」

Work second from top, "Floor #6", 7"x46x 192" including spread of pebbles 　「長さ、やく５メートル」

Work at the very top, "Floor #2", 14"x48"x72" (exhibited at Blackfish back room) 　「幅やく１メートル３０センチと長さ、やく１メートル８０センチ」

Floor Series are works I made between 1981 to 1982, but were not shown together as a group in exhibition. Couple of these pieces, I have brought in and exhibited at the back room of Blackfish. Another, the largest standing piece, " The Floor #9" , a 7 feet wide and 28 feet long piece, was shown in Artquake 83' exhibition. There was another, a full scale installation piece that had numerous painted square blocks and pebbles that spread all over the room that was shown at the second floor of Bush Barn Gallery in Salem. However, most others were not shown outside of studio as I quit Blackfish and moved on to other things. These works were derived from the Wall #7 as I mentioned in earlier post, but it may also have been influenced by then fellow Blackfish sculptor, Michi Kosuge who was making some impressive horizontal floor pieces in steel. Here I will display three pieces that I have scanned in Japan from photos.


「床」の作品シリーズは１９８１年から１９８３年の間で造られた物でそれぞれまとめて展示されていないシリーズだ。　これらの中では二点ほどブラックフィシューギャラリーの裏のほうで展示した。もう一つ、やく幅二メートル１５センチから九メートルの長さの大型作品「床＃９」は当時ポートランド市で行われた芸術祭りの展示ショー「Artquake 83']　で町の公園で展示した。あと多くのペンキで塗った四角い板と多くの石ころで完成した大型インストレェション作品をオレゴン州の首都、セーレムの町の芸術センターBush Barn Gallery の」二階全部広げて行った。　札幌市の有名な時計台の二階に入った時びっくりした。大きさから、雰囲気から材木やにおいまでこのBush Barn Gallery にそっくりでおそらく同じ時代の同じスタイルの建物だろう。時計台の二階全部二十センチのさびた赤の色で塗った板が広がってパターンをつくり、そこに石ころいっぱいところどころパターンをくずしている形を想像したらだいたいこの作品のイメージに近いだろう。おっと大事なことを忘れた。これに劇のステージのようにライトをほとんど消し、パターンに影をつくりその影のパタンがさらにこの作品を面白くした。ライトや石ころの使いかたは当時の友人（ガールフレンドではないー笑い）中国系のアメリカ人、ロバルタ　ウォングのアドバイスにより作品が上手く完成できた。

Backroom of Blackfish

７
Backroom of Blackfish Gallery is a sale section where members will have their works stored for sale. At the same time there are usually room for a place to display several of these works for people to see. In the first Blackfish gallery at the sixth avenue in Flanders street, there was ample space to have a monthly mini show of Blackfish members. Back in early 80's when I was a young member, I would almost monthly would bring a new work for display. Wall #7 is one of these and is one of my key work as the horizontal extension led me to "floor series". The sculpture is mostly made of glued 4"x4"s. However, in between layers of lattice work are strips of stained cloth which although dark are more purple than looks on the photo print. Result I feel is a weighty but meditative piece that is one of my favorite of Early period works.　Piece is 61"x26"x88" and was made in 1981.


ブラックフィシューギャラリーの後ろのスペースはメンバたちが作品を置く場所である。メンバの作品に興味のあるお客が展示された作品や棚の中に置かれた作品を見ながら選べる場所でもある。倉庫でもあり、又、壁や台の上に作品などを置いて小さいメンバの作品展なども行われる場所でもある。最初のブラックフィシューギャラリの空間はとくに広く、毎月メンバの展示会がこの裏のスペースで行われていた。、ほぼ毎月私は新しい作品を展示した。その中でも作品、「壁＃７６」は大事な作品だった。これはこの作品は床の方に広がり、後に「床しりーず」の作品に」みちびいたから。この作品〈上）は材木で完成されているが、横に並んでいる板の間にステインで染めた布が材木に塗ってある。この布は写真で見るよりところどころ黒いが紫色が見れる。私の作品の中では静かな重みのある作品かな。作品の大きさはだいたい高さ１メートル６０センチ、幅６５センチ、長さ二２メートル１５センチぐらい。